Buscando un encuadre y Clik!

Como os comenté en mi anterior entrada del blog, intervenciones en el espacio natural se pueden cruzar con otras disciplinas como la fotografía, ahora bien, tanto las obras en el espacio natural como en el espacio urbano, son esculturas públicas. Os adelanto que mi siguiente post lo voy a dedicar a una intervención en el espacio público urbano de la ciudad de Zaragoza, cuya temática hace referencia a la terminología tanto de la fotografía como del cine.

Isabel Queralt Solari, (1960, Zaragoza) una escultora que inició sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de esta misma ciudad y continuando en la Escuela Masana de Barcelona posteriormente. Comienza utilizando como material de creación la piedra es miembro fundadora de la Asociación Pablo Gargallo junto con otros artistas como Pilar Pérez y Frank Norton. Unos años más tarde crea el Taller Petra junto con otros miembros de la asociación.

En 1999, esta artista inicia su carrera artística en solitario. Sus intervenciones en el espacio público se encuentran distribuidas por todo Aragón, de las cuales me voy a centrar en una de ellas, “Buscando un encuadre“, realizada en el año 2001, con el emplazamiento del barrio de Valdespartera, Zaragoza.

buscando un encuadre

Localización de la escultura en el barrio de Valdespartera, Zaragoza.

Fuente: http://www.zaragoza.es/ciudad/artepublico/detalle_ArtePublico?id=49

buscando un encuadre II

Buscando un encuadre“, 250 cm x 300 cm x 16,5 cm, Zaragoza, 2001.

Fuente: http://www.zaragoza.es/ciudad/artepublico/detalle_ArtePublico?id=49

Se trata de una escultura realizada en acero cortén situada en un pedestal de hormigón, en la que a primera vista, podemos observar un cuadrado con dos manos enmarcando un ojo, figura protagonista de la composición. A pesar de que los elementos son figurativos, evoca el término abstracto del encuadre fotográfico, recurso utilizado tanto en el mundo de la fotografía como en el mundo del cine.

El encuadre, la selección de esa porción, ese fragmento de realidad que el artista de la obra escoge por algún motivo objetivo y subjetivo al mismo tiempo. Cuando se realiza el encuadre estamos no solo escogiendo un motivo, sino descartando otros muchos y aquí reside lo interesante tanto para el creador como para el espectador.

Describamos el tipo de encuadre…

Es un encuadre horizontal, por lo que resalta la importancia del paisaje, del fondo de la composición frente a la magnificencia. Sin embargo, al ser una escultura, al mismo tiempo, se pone el punto de mira en ambos elementos, tanto en la propia obra de arte como en el entorno que le rodea. Se quiere destacar el cielo abierto. Encuadrando el cielo, hace sentir al espectador pequeño, insignificante, solo…. debido a las dimensiones y a la transparencia de la obra.

Si observo solamente la composición de la escultura y me centro en ese ojo que me mira directa y fijamente, me conduce al último movimiento de las Vanguardias, al Surrealismo. Cuando veo la obra de Queralt, veo el cielo enmarcado mediante la figura de un ojo intrigante de Renné Magritte.

El-falso-espejo-e1355649970179El falso espejo“, Renné Magritte, 1928.

Fuente: http://unadocenade.com/una-docena-de-cuadros-de-magritte-para-entender-el-surrealismo/

“Buscando un encuadre”, me hace recordar a uno de los fotogramas de la película de “Un perro andaluz”, dirigida por Luis Buñuel en 1928.

Un_Chien_Andalou2

Fuente: http://www.openculture.com/2012/06/two_vintage_films_by_salvador_dali_and_luis_bunuel.html

Una mirada rasgada hacia el espectador, de Luis Buñuel, una pintura de un ojo que en su interior posee un cielo abierto, de Magritte, y una escultura de un encuadre con una representación de un ojo, nuevamente por Isabel Queralt en el siglo XXI me hacen replantearme varias cosas.

¿Los artistas nos están intentando decir que nos paremos a observar el mundo por un momento? ¿Qué está ocurriendo a nuestro alrededor? Es un toque de atención con una cierta crítica social. Mediante el acto de la observación y el análisis del entorno y de las personas que de nuestro entorno podemos tener una capacidad crítica y realizar juicios más válidos. Si observamos y reflexionamos sobre lo que es justo y lo que no lo es, podemos llegar al cambio positivo.

El arte es el estudio de la percepción visual y el análisis crítico de los elementos percibidos realizando una transformación y poniendo en valor elementos universales, por ello es tan importante en nuestro mundo en el que vivimos.

Anuncios

Esencia, sutileza y land art en estado puro

Creaciones Contemporáneas

Each work grows, stays, decays – integral parts of a cycle which the photograph shows at its heights, marking the moment when the work is most alive. There is an intensity about a work at its peak that I hope is expressed in the image. Process and decay are implicit.” Goldsworthy.

Standfoto RIVERS AND TIDES

“Rivers and Tides” directed by Thomas Riedelsheimer

En mi siguiente post os voy a adentrar en el universo de Andy Goldsworthy, un artista que significó mucho para mí tanto a nivel profesional como a nivel personal. Desde el momento que lo descubrí me interesó el land art o arte en la naturaleza, también la fotografía. Estas dos disciplinas a priori pueden no tener similitudes pero después de que os cuente el proceso de trabajo de este artista, entenderéis porque las uno y porque me gustan ambas.

Andy, un artista multidisplinar que apuesta por la unión del ser humano con la…

Ver la entrada original 583 palabras más

Esencia, sutileza y land art en estado puro

Each work grows, stays, decays – integral parts of a cycle which the photograph shows at its heights, marking the moment when the work is most alive. There is an intensity about a work at its peak that I hope is expressed in the image. Process and decay are implicit.” Goldsworthy.

Standfoto RIVERS AND TIDES

“Rivers and Tides” directed by Thomas Riedelsheimer

En mi siguiente post os voy a adentrar en el universo de Andy Goldsworthy, un artista que significó mucho para mí tanto a nivel profesional como a nivel personal. Desde el momento que lo descubrí me interesó el land art o arte en la naturaleza, también la fotografía. Estas dos disciplinas a priori pueden no tener similitudes pero después de que os cuente el proceso de trabajo de este artista, entenderéis porque las uno y porque me gustan ambas.

Andy, un artista multidisplinar que apuesta por la unión del ser humano con la naturaleza, nació un 26 de julio de 1956 en Cheshire, England. Estudió Bellas artes en Bradford College of Art y terminó sus estudios en University of Central Lancashire, en el condado de Preston.

Después se trasladó hacia el norte y permaneció en el condado de Cumbria, Inglaterra. Más tarde, se irá todavía más hacia el norte, Langholm, en el condado de Dumfries and Galloway, Escocia. En 1993 recibe el doctorado honoris causa por la universidad de Bradford y fue nombrado Andrew D. White Professor en Cornell University. En la actualidad trabaja en su obra artística y reside en Escocia.

“I need understand the land and it needs to understands me too”, Goldsworthy.

Su proceso de trabajo consiste en utilizar materiales propios de la naturaleza, como pueden ser ramas, hojas que se encuentran en el suelo, carámbanos de hielo,etc. El siguiente paso es el de la recolección en base a unos parámetros de tonalidades y de dimensiones de cada fragmento, dependiendo de la composición que quiere llevar a cabo. Depende totalmente del material escogido, por ejemplo, si se trata de hielo, que es extremadamente delicado y efímero, tiene que actuar rápido y se salta la fase de recolecta del material y opera a través de la experimentación y se adecua con mayor adaptación al terreno.

andy_goldsworthy_rowan_leaves_with_hole

Yellow and Gold leaves around a hole“, by Andy Goldsworthy.

Como son materiales perecederos y la obra de arte es efímera, debe tener un proceso de registro fotográfico a posteriori. Pero aquí también se encuentra una parte muy interesante de su trabajo porque no se queda en el mero hecho de documentación gráfica de la obra, sino que estudia el proceso de transformación que sufre la misma debido al paso del tiempo y al transcurso de la naturaleza. La incidencia de la luz natural en la obra de arte también es estudiada en sus proyectos fotográficos. La fotografía artística juega con el poder de manipular o modificar el tiempo y creo que ese poder es el que atrae a numerosos artistas para escoger este método de expresión para sus trabajos. Esa sensación de congelar el tiempo y de que no transcurre ni para la imagen que hemos capturado ni para nosotros mismos durante unos segundos, te hace sentir libre al igual que la creación dentro de la naturaleza, es como una unión y una sensación de libertad increíble.

goldsworthyIcicles1_op_592x600   images

“Ice Spiral: Treesoul                                         “Icecircle Star”

En el plano simbólico, la vida y la muerte se unen para formar parte de un todo, de un todo del que al mismo tiempo, nosotros también formamos parte. Los materiales que proceden de la naturaleza son como nosotros mismos, en un momento del tiempo nacemos y nos encontramos con esta vida, después sufrimos el desgaste inevitable del paso del tiempo y a continuación, más tarde o más temprano, perecemos. Es la ley natural de las cosas, por mucho que queramos alargar lo inevitable, todos somos frágiles y efímeros como todos los elementos que nos rodean. La belleza puede estar en la fragilidad de los elementos o en su destrucción, hay que tener cuidado de no dejarse atrapar demasiado por ella.

Os dejo un enlace al documental “Rivers and Tides” que describe a la perfección la obra del proceso de trabajo de Andy, es un poco largo pero merece la pena. Yo no me canso de verlo una y otra vez, me encanta este artista y este SER HUMANO!!!

I Muestra de Land Art Internacional en Aragón

Tuvo lugar en el verano del año 2010 con el impulso de la Asociación de empresarios floristas de Zaragoza. Bajo el lema “Arte en la tierra, Arte en la Naturaleza” una serie de artistas fueron congregados a la I Muestra internacional de land art de la capital aragonesa.

A orillas del río Ebro comenzaron a surgir formas nuevas que nacían bajo la filosofía de la integración con el entorno, de la efimeriedad frente a la perdurabilidad de la obra de arte. Rompiendo con las barreras de la falta de valor de lo fugaz, de lo que desaparece a causa del inexorable paso del tiempo.

images

Arco sobre pasarela de Mikael y Petra, del equipo de Suecia

Una original exposición que estuvo compuesta por 15 parejas de artistas, todos y cada uno de ellos representando a un país diferente. Nos encontramos con artistas desde Canadá, Dinamarca, Francia, Holanda, Lituania, Noruega, Polonia, Rusia, Singapur, Suecia, Suiza, Taiwán y España.

La Muestra estuvo coordinada por el maestro Peter Hess, de la escuela taller Atelier 5 de Suiza, él se encargo de la supervisión de los grupos internacionales.

Land-Art-Aragon-Rusia-01-1-600x400

Jordi Pascual, perteneciente al Taller de florística Smilax, coordinador nacional de la I Muestra internacional de Land art en Zaragoza, tenía expectativas sobre posibles y futuras intervenciones de similares características en años venideros.

Estamos en el año 2015 y no se ha vuelto a repetir intervenciones de esta índole, aunque confío en que dentro de poco, empiece a florecer una nueva era de prosperidad para el arte y así luchar contra su conversión en un producto de consumo más,  en un objeto mercantilizado o un préstamo de un banco a otro. El land art, es una herramienta de concienciación social hacia el medio que nos rodea, una herramienta de aprehender  de la naturaleza, de unión por y para un fin de sensibilización hacia un medio en el cual vivimos.

Me despido con un vídeo de cómo se vivió el evento y de algunos comentarios del coordinador nacional y del presidente de ECOS. Hasta la próxima!

La inmaterialidad del espítitu…

Mi siguiente post lo voy dedicar a un artista que con su magnifica intervención en el territorio oscense de Plan, es capaz de sorprendernos con su maestría en el arte y con su interesante conexión con el medio natural: Per Kirkeby.   Per Kirkeby

Artista multidisciplinar nacido en Copenhague, (Dinamarca) en 1938, iniciando sus estudios en el mundo de la geología y la Historia natural descubrió que su pasión por el arte le iba a llevar a lugares insospechados y a unir sus dos facetas interviniendo en numerosas ocasiones en el medio natural. Estudió en la Escuela de Arte Experimental de Dinamarca y ha sido docente en la Academia de Karlsruhe (1978-1989) y en Frankfurter Städelschule (1989-2000).

Algunas de sus obras están representadas en colecciones tan prestigiosas como la Tate Gallery de Londres, Metropolitan Museum of Art de nueva York o el Centro Pompidou de París.

La función social que tiene el arte y el fuerte poder de movilización son los dos puntos a en este artista con gran actitud crítica ante la sociedad contemporánea de la que formamos parte.

Este polifacético artista, en este caso y en numerosas de sus obras, trabaja con un material como es el ladrillo que le caracteriza, su obra se relaciona con la historia de la arquitectura. Per Kirkeby se sumerge en el paisaje y se adapta a las características del entorno donde va a ubicar su intervención.

La obra sobre la que voy a hablaros pertenece a la séptima intervención en la colección de arte y naturaleza del CDAN titulada: “Plan”, Cabañera de la montaña, Plan, Huesca, 2009.

Per_Kirkeby_1024x660

Es una construcción de ladrillo con las dimensiones de 467x623x623cm. Situada en el valle de Gistaín en la pradera del río Cinqueta, desde el interior de la obra y a través de sus huecos podemos contemplar la peña Mediodía, Peña Cuezo,  Punta Llerga y vistas del cielo del Pirineo aragonés. Consiste en la intersección de dos estructuras cuadradas iguales creando en su parte interior una nueva zona cuadrangular abierta con dimensiones más pequeñas. A priori parece un edificio cerrado al cual nos es imposible el acceso pero si te acercas podrás comprobar de que puedes caminar a través de sus caminos interiores.

“La obra que a la vez está y no está. Que no hay necesidad de rodear porque se puede entrar en ella. Que es de apariencia maciza y, no obstante, transparente. Que semeja un edificio pero que no lo es, que no es una escultura ampliada y que tampoco fluctúa entre ambos. Es totalmente lo que es y no plantea estas cuestiones. Pero quizá sí otras cuestiones. Respecto al espacio de cielo que se entrevé. Respecto a la perennidad de las paredes, la precariedad de las casas. Respecto a la sabiduría humana liberada de las cargas intelectuales.Respecto al hecho de jugar al escondite y de tener una pared contra la que se puede jugar al balón.”
Per Kirkeby. “Notas sobre las esculturas en ladrillo”, “Ladrillos”, “Manual” en Per Kirkeby. Huesca: Centro de Arte y Naturaleza. Fundación Beulas, 2009, p 175.

KIRKEBY-3

Un juego de geometrías y de desfuncionalidad de la arquitectura hace que me pregunte sobre qué estamos haciendo con la naturaleza, estamos transformando el medio que nos rodea tanto que estamos perdiendo todo tipo de unificación, de identificación con nuestro entorno. Creemos que la vida es un juego en el que no existen reglas y sobre la que podemos actuar sin ningún tipo de sensibilidad. Estamos encarcelando al mundo estamos encarcelándolos a nosotros mismos, estamos jugando al juego de la destrucción masiva y debemos ir recuperando y reconstruyendo todos esos pedazos de historia que hemos abandonado a lo largo del camino. Los elementos con los que el artista trabaja pueden ser tanto materiales como inmateriales. Plan es una obra con una fuerte contundencia mediante el ladrillo como material seleccionado pero los que no se ven son los que realmente tienen un mayor peso, los sentimientos del artista.

Si os interesa navegar un poco más en el universo de Per Kirkeby:

http://arteynaturaleza.dehuesca.es/?page_id=704

Una huella sagrada en la naturaleza

Creaciones Contemporáneas

Arte y naturaleza, dos conceptos sobre los que el ser humano ha puesto el punto de mira y ha convertido en objeto de reflexión desde sus orígenes hasta nuestros días. Tanto el estudio de las formas de expresión del pensamiento y de los sentimientos como los comportamientos de otras especies naturales nos ayudan a saber un poco más sobre el mundo y sobre nosotros mismos. Cuando se entremezclan ocurre algo tan interesante que es preciso pararse a reflexionar y a escribir sobre ello. Uno de los representantes del land art que ha dejado su huella en la localidad oscense de Belsué es Alberto Carneiro.

Alberto Carneiro

 
 
 
 
 
 
Alberto Carneiro nacido en Coronado, Portugal en 1937. Durante sus primeros años se forma en un taller de imaginería trabajando la talla en madera y en piedra, después estudia en la escuela de Bellas artes de Porto (1961-1967) y en Saint…

Ver la entrada original 696 palabras más

Una huella sagrada en la naturaleza

Arte y naturaleza, dos conceptos sobre los que el ser humano ha puesto el punto de mira y ha convertido en objeto de reflexión desde sus orígenes hasta nuestros días. Tanto el estudio de las formas de expresión del pensamiento y de los sentimientos como los comportamientos de otras especies naturales nos ayudan a saber un poco más sobre el mundo y sobre nosotros mismos. Cuando se entremezclan ocurre algo tan interesante que es preciso pararse a reflexionar y a escribir sobre ello. Uno de los representantes del land art que ha dejado su huella en la localidad oscense de Belsué es Alberto Carneiro.

Alberto Carneiro

 
 
 
 
 
 
Alberto Carneiro nacido en Coronado, Portugal en 1937. Durante sus primeros años se forma en un taller de imaginería trabajando la talla en madera y en piedra, después estudia en la escuela de Bellas artes de Porto (1961-1967) y en Saint Martin´s school of art en Londres, (68-70). Se desarrolla como docente de escultura en La escuela superior de Bellas artes y en la de arquitectura de Oporto al mismo tiempo que se encarga de la orientación pedagógica y artística de la Universidad de Coimbra. En 1963 empezó su recorrido como artista exponiendo en lugares destacados y señalo algunos de ellos, por ejemplo: Museo Nacional de Soares dos Reis, (Oporto, 1976); Fundación Calouste Gulbenkian, (Lisboa, 1991); Centro gallego de arte contemporáneo (Santiago de Compostela, 2001). Creó el Museo internacional de escultura contemporánea en la ciudad de Santo Tirso, noroeste de Portugal. Algunas de sus instalaciones-escultóricas en en paisaje natural las podemos encontrar  en Portugal, Eslovenia, Inglaterra, Irlanda, Corea del sur, Ecuador, Taiwan, Andorra, España y Chile. Os voy a presentar una de las intervenciones que ha realizado en España y exactamente la que se encuentra en la localidad de Belsué, Huesca.
CARNEIRO-2
 La obra titulada: “As arvores florescem em Huesca”, o “Los árboles flocecen en Huesca”, es una instalación escultórica que pertenece al proyecto de Arte y naturaleza promovido por la diputación de Huesca y el centro de arte y naturaleza que surge a raíz del mismo proyecto. Es una de las obras que configuran este itinerario intentando unir al ser humano con con el arte y el entorno natural. La inauguración de esta obra se produce el 30 de junio del ya lejano año 2006. Su localización exacta es Belsué o Santa María de Belsué, un territorio oscense que pertenece al municipio del Nueno, al norte de la comarca de la Hoya de Huesca. Alberto Carneiro elige este lugar tan impresionante porque está en el valle de Belsué, en las inmediaciones del Parque natural de la sierra y los cañones de Guara. Para llegar hasta él es un poco complejo: se debe tomar dirección a Arguis, tomar el desvío de la antigua carretera y antes de llegar al túnel de la Manzanera tomar dirección núcleos de Belsué y Nócito durante 5km. aprox. una vez se cruza el puente de la Chopera se puede ver la escultura de Carneiro.
.alberto carneiro 3
 
Las dimensiones totales de la pieza son de 500 x 700 x 700 cm.
Su realización técnica resulta de la utilización de materiales como la piedra de Ayerbe tallada con la que creará los cuatro muros independientes, en el interior se encuentra una pieza de cobre realizada por la técnica de fundición a molde por medio consistente en la representación de un árbol realizado a partir del vaciado de un molde del injerto de ramas en floración de tres árboles de su jardín en Coronado, Portugal. Y para terminar también es utilizada la piedra negra de Calatorao para las placas situadas en la mitad de los muros con inscripciones de las cuatro estaciones del año y para el elemento constructivo del interior. En el interior de esta representación con carácter evocador y ritual se encuentra el árbol de bronce.
AYN_Alberto_Carneiro_4_md
 
Es una especie de lugar sagrado en forma de mandala cuadrangular en el que reside en su interior con la forma de prisma triangular se alza un gran gnomon  o mehir contemporáneo  como lo denomina Carneiro. Si os adentráis en el universo de Alberto Carneiro y llegáis hasta aquí os tengo que decir que uno de los aspectos más emocionantes es que esta obra la vas descubriendo poco a poco, cada instante que transcurre te percatas de que tiene numerosas características por resolver, es similar a un rompecabezas en mitad de la majestuoso paraje natural del valle de Belsué. Escritos a modo de aforismos en la parte inferior e interior de la obra surgen para ser interpretados por el espectador. 
Un final un poco amargo.
En el verano del 2013 algunas personas sustrajeron el árbol de bronce que se encontraba en el interior de la obra. En el año 2014 mediante el gobierno de Aragón y el propio artista están pensando su reposición pero con un material menos costoso para evitar futuros daños. Al final Carneiro propone dibujar sobre piedra la memoria del árbol sustraído y colocarlo en el lugar donde estaba el de bronce, es una forma de no acarrear excesivos costes y de dignificarlo.
Para más información sobre la obra del proyecto “Arte y naturaleza”:
https://www.youtube.com/watch?v=y4J0dfSOh14
https://www.youtube.com/watch?v=ykHW2s0qZYI
http://arteynaturaleza.dehuesca.es/?page_id=1090

Arte en el medio natural

Creaciones Contemporáneas

Añado una segunda obra artística de Land art-arte público a mi blog. Os continúo hablando sobre la obra realizada por Siah Armajani, artista nacido en Teherán en 1939 es uno de los máximos representantes del arte público, o más bien de lo que ello ha significado hasta nuestros días y estoy segura de que perdurará. Esta obra es también bastante confusa en cuanto a su identificación en relación al estilo porque esta en medio de un bosque, más concretamente, en medio del valle de Pineta, Pirineo aragonés. Bien, es una obra de arte público porque su funcionalidad es evidente pero está situada en medio de un maravilloso paraje natural por lo que también puede ser considerada obra de land art. Os muestro la imagen para que vayáis analizando todo esto.

mesa de picnic de Siah Armajani

“Mesa de Picnic”, 49 metros cuadrados son el total de sus dimensiones, (7 metros de largo por 7 metros de…

Ver la entrada original 232 palabras más

Canoas de luz de David Nash

Os introduzco en la realidad de un magnífico artista como David Nash.

Nacido en Esher, Surrey, Gran Bretaña en 1945. Escultor que trabaja con elementos naturales principalmente con la madera a través de la técnica de la talla. Estudia durante sus primeros años en Brighton College y continúa sus estudios en Kingston College of Art. Termina especializándose en Chelsea school of Art y su cumbre como artista es la de ser partícipe de la Royal Academy of Art en Londres. En la actualidad reside y trabaja en Blaenau Festiniog, Norte de Gales. Su espacio de trabajo es una antigua iglesia de Gales en medio de la naturaleza, donde tiene su mayor inspiración para realizar las obras de la cual proceden.

David-Nash-004

David Nash , felling the Oak tree

Sobre la técnicas que utiliza os tengo que especificar algunos detalles interesantes y al mismo tiempo muy sorprendentes. Antes he citado la talla como técnica utilizada a manos del artista pero Nash añade la floración, descomposición, carbonización, tala. Estoy enumerando procesos naturales o que son provocados por el artista con ayuda de los cuatro elementos: agua, aire, fuego y tierra.

Su escultura denominada: “escultura biológica” la realiza quemando la madera de algunas especies como la secuoya, robles o tejos. Deja pasar periodos de tiempo después de realizar algunos cortes para ver la evolución de la madera a continuación de los agentes atmosféricos que inciden sobre el árbol en cuestión. Son intervenciones pero al mismo tiempo investigación biológica del material para colaborar con la expesión artística.

“Una vez pasando junto a un gran árbol del caucho en una pista de tierra en Australia noté en él una cicatriz del tamaño y de la forma de una nave, con la punta hacia abajo: la imagen misma de una llegada. Tenía el aspecto de una idea llegando a su configuración; un espacio en forma de barca orientada de arriba a abajo…).

D. Nash, “Forms Into Time”, Academy Editions, p 30, 1996.

marca de tronco

tres vessels en huesca

“Three Sun Vessels for Huesca”, David Nash, 2005,

Su localización geográfica es en los alrededores de la ermita de la Magdalena o Santa Lucía, en Canal de Berdún, Huesca.

Después de contextualizar al autor, deciros un poco su forma de trabajar y de adentraros en su mundo, os presento esta obra que consiste en tres troncos de roble tallados y seccionados en su mitad causando un hueco por el que se cuelan los rayos de sol en una hora determinada. Las dimensiones de cada Vessel son de una altura de 430 cm x 90 cm x 120 cm. Los vessels son las perforaciones que el artista talla en la madera y que crea con la finalidad de que los rayos de luz atraviesen las intervenciones. Exactamente están colocados con las latitudes de Este, Sur y Oeste, en el este colocará la rosa de los vientos realizada en bronce. El círculo en que están dispuestos los robles mide 12 m de diámetro y cada uno de ellos está colocado en el punto donde el círculo se corta con uno de ellos.

.paisaje y territorio

esquema vessels

Los rayos de luz inciden sobre el suelo en los tres momentos cumbres del día el amanecer, el apogeo y el crepúsculo. La placa circular que marca los puntos cardinales y solo coincide con los haces de luz en los equinoccios en el amanecer y en el ocaso. Hacen la función de reloj de sol, marcan el eje de la tierra en relación al sol y a la posición del sujeto, esto nos lleva a recordar a los antiguos druidas galeses. Al mismo tiempo las 12 del medio día se verá reflejada por el vessel central a través de un haz de luz y conectando con la placa central de la obra y los límites inferior y superior del vessel central siguen la proyección solar en los solsticios de invierno y de verano.

Y con esta intervención artística os dejo hasta mi próxima entrada espero que os haya interesado porque a mí no me deja de sorprender el arte. Esta mágica forma de conectar el arte, la naturaleza y el ser humano me parece fascinante.

Hasta otra!!!

NASH-4

Ulrich Rückriem con sus estelas

Continúo esta vez a manos de un escultor de renombre desde mediados de los años sesenta, Ulrich Rückriem, (Düsseldorf, Alemania, 1938). Comienza su trabajo como artesano y aprende a trabajar la piedra en la cantería de la catedral de Colonia. También ejerce la docencia en las escuelas de arte de Hamburgo y de Düsseldorf. Pero, lo que le llevó al gran reconocimiento como artista fue su participación en la Bienal de Venecia representando a la República federal de Alemania en 1978.

2013_Ulrich_Rueckriem_l

Para adentrarnos en las intervenciones artísticas de las que os voy a hablar tituladas: “Siglo XX” y “Estela XXI”, os tengo que nombrar los dos estilos artísticos que van a servir de referentes siendo coetáneos del periodo de madurez y desarrollo artístico de su autor. El Minimal y la Abstracción son estilos o corrientes artísticas que van a influir notoriamente en la obra de Ulrich Rükriem. Esa complejidad en cuanto al trabajo con el concepto a manos de Sol Lewit y ese entendimiento del objeto en relación con el entorno reflejados con la figura de Eduardo Chillida, Ulrich las entremezcla y les aplica el trabajo de la dura técnica de la talla en piedra. Las obras forman parte de la colección itinerario del centro de arte y naturaleza de Huesca.

http://youtu.be/hHVO3bHzGZ4

La iluminación que incide en la obra es fundamental para su contemplación y disfrute. El material se deja ver a través de las diferentes horas del día. Las texturas de la piedra y el corte del material parecen cobrar vida y dejarse entrever la personalidad del artista.

Las dos intervenciones se tratan de un primer diseño y realización de un conjunto de 20 estelas de granito rosa Porriño con las dimensiones de 400 x 100 x 100 cm. Y esta se encuentra situada en el espacio al aire libre dentro del municipio de Abiego, dentro de la comarca del Somontano de Barbastro, Huesca. Y la otra intervención solamente consta de una única estela rosa del mismo material y de similares dimensiones y se encuentra situada a puertas del edificio del centro de arte y naturaleza en Huesca.

Ulrich-Ruckriem_II_1600x1200

shimgGrande

Con estas dos intervenciones  se trata de interrelacionar los dos puntos escogidos por el artista y también con el propio museo. Me voy a centrar en la clave para entender la obra de Ulrich, sus estelas, son piedras verticales y talladas artesanalmente y que no soportan nada de peso, ninguna construcción sobre ellas a diferencia de las columnas. Son todas y cada una de ellas independientes, firmes y aunque no lo parezcan a priori son similares pero diferentes al mismo tiempo. El autor lo que intenta es también romper barreras entre la obra de arte, el museo, la galería. la ciudad y y el paisaje natural. El arte puede aparecer en cuanto menos te lo esperes, no necesariamente debe de estar dentro de un edificio con cuatro paredes, a través de una entrada o cuyos espectadores estén siendo observados con una serie de dispositivos, sino que el arte también puede llegar a ser disfrutado y estudiado a la sombra de un paraje natural sin barreras y ser accesible para todas las personas sin hacer ninguna excepción ni norma más que las de respetarlo y cuidar el medio que lo rodea.

P1070484

Si nos adentramos en su obra nos sugiere protección, sus estelas nos ofrecen abrigo y nos arropan ante el aire o el frío del lugar. Y no solo eso, sino la integración del ser humano con la propia naturaleza y con los objetos artísticos, los cuales nos invitan a volver al lugar de donde procedemos. Una especie de trascendencia nos invade si nos refugiamos entre esas estelas que a priori parecen no tener vida y no contarnos nada pero después nos conducen a imaginar y observar más detenidamente el entorno que nos rodea en ese preciso instante. Humildes y pesados bloques de piedra que nos pueden hacer reflexionar tanto sobre nuestro entorno y sobre nosotros mismos…