Esencia, sutileza y land art en estado puro

Each work grows, stays, decays – integral parts of a cycle which the photograph shows at its heights, marking the moment when the work is most alive. There is an intensity about a work at its peak that I hope is expressed in the image. Process and decay are implicit.” Goldsworthy.

Standfoto RIVERS AND TIDES

“Rivers and Tides” directed by Thomas Riedelsheimer

En mi siguiente post os voy a adentrar en el universo de Andy Goldsworthy, un artista que significó mucho para mí tanto a nivel profesional como a nivel personal. Desde el momento que lo descubrí me interesó el land art o arte en la naturaleza, también la fotografía. Estas dos disciplinas a priori pueden no tener similitudes pero después de que os cuente el proceso de trabajo de este artista, entenderéis porque las uno y porque me gustan ambas.

Andy, un artista multidisplinar que apuesta por la unión del ser humano con la naturaleza, nació un 26 de julio de 1956 en Cheshire, England. Estudió Bellas artes en Bradford College of Art y terminó sus estudios en University of Central Lancashire, en el condado de Preston.

Después se trasladó hacia el norte y permaneció en el condado de Cumbria, Inglaterra. Más tarde, se irá todavía más hacia el norte, Langholm, en el condado de Dumfries and Galloway, Escocia. En 1993 recibe el doctorado honoris causa por la universidad de Bradford y fue nombrado Andrew D. White Professor en Cornell University. En la actualidad trabaja en su obra artística y reside en Escocia.

“I need understand the land and it needs to understands me too”, Goldsworthy.

Su proceso de trabajo consiste en utilizar materiales propios de la naturaleza, como pueden ser ramas, hojas que se encuentran en el suelo, carámbanos de hielo,etc. El siguiente paso es el de la recolección en base a unos parámetros de tonalidades y de dimensiones de cada fragmento, dependiendo de la composición que quiere llevar a cabo. Depende totalmente del material escogido, por ejemplo, si se trata de hielo, que es extremadamente delicado y efímero, tiene que actuar rápido y se salta la fase de recolecta del material y opera a través de la experimentación y se adecua con mayor adaptación al terreno.

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Yellow and Gold leaves around a hole“, by Andy Goldsworthy.

Como son materiales perecederos y la obra de arte es efímera, debe tener un proceso de registro fotográfico a posteriori. Pero aquí también se encuentra una parte muy interesante de su trabajo porque no se queda en el mero hecho de documentación gráfica de la obra, sino que estudia el proceso de transformación que sufre la misma debido al paso del tiempo y al transcurso de la naturaleza. La incidencia de la luz natural en la obra de arte también es estudiada en sus proyectos fotográficos. La fotografía artística juega con el poder de manipular o modificar el tiempo y creo que ese poder es el que atrae a numerosos artistas para escoger este método de expresión para sus trabajos. Esa sensación de congelar el tiempo y de que no transcurre ni para la imagen que hemos capturado ni para nosotros mismos durante unos segundos, te hace sentir libre al igual que la creación dentro de la naturaleza, es como una unión y una sensación de libertad increíble.

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“Ice Spiral: Treesoul                                         “Icecircle Star”

En el plano simbólico, la vida y la muerte se unen para formar parte de un todo, de un todo del que al mismo tiempo, nosotros también formamos parte. Los materiales que proceden de la naturaleza son como nosotros mismos, en un momento del tiempo nacemos y nos encontramos con esta vida, después sufrimos el desgaste inevitable del paso del tiempo y a continuación, más tarde o más temprano, perecemos. Es la ley natural de las cosas, por mucho que queramos alargar lo inevitable, todos somos frágiles y efímeros como todos los elementos que nos rodean. La belleza puede estar en la fragilidad de los elementos o en su destrucción, hay que tener cuidado de no dejarse atrapar demasiado por ella.

Os dejo un enlace al documental “Rivers and Tides” que describe a la perfección la obra del proceso de trabajo de Andy, es un poco largo pero merece la pena. Yo no me canso de verlo una y otra vez, me encanta este artista y este SER HUMANO!!!

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La inmaterialidad del espítitu…

Mi siguiente post lo voy dedicar a un artista que con su magnifica intervención en el territorio oscense de Plan, es capaz de sorprendernos con su maestría en el arte y con su interesante conexión con el medio natural: Per Kirkeby.   Per Kirkeby

Artista multidisciplinar nacido en Copenhague, (Dinamarca) en 1938, iniciando sus estudios en el mundo de la geología y la Historia natural descubrió que su pasión por el arte le iba a llevar a lugares insospechados y a unir sus dos facetas interviniendo en numerosas ocasiones en el medio natural. Estudió en la Escuela de Arte Experimental de Dinamarca y ha sido docente en la Academia de Karlsruhe (1978-1989) y en Frankfurter Städelschule (1989-2000).

Algunas de sus obras están representadas en colecciones tan prestigiosas como la Tate Gallery de Londres, Metropolitan Museum of Art de nueva York o el Centro Pompidou de París.

La función social que tiene el arte y el fuerte poder de movilización son los dos puntos a en este artista con gran actitud crítica ante la sociedad contemporánea de la que formamos parte.

Este polifacético artista, en este caso y en numerosas de sus obras, trabaja con un material como es el ladrillo que le caracteriza, su obra se relaciona con la historia de la arquitectura. Per Kirkeby se sumerge en el paisaje y se adapta a las características del entorno donde va a ubicar su intervención.

La obra sobre la que voy a hablaros pertenece a la séptima intervención en la colección de arte y naturaleza del CDAN titulada: “Plan”, Cabañera de la montaña, Plan, Huesca, 2009.

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Es una construcción de ladrillo con las dimensiones de 467x623x623cm. Situada en el valle de Gistaín en la pradera del río Cinqueta, desde el interior de la obra y a través de sus huecos podemos contemplar la peña Mediodía, Peña Cuezo,  Punta Llerga y vistas del cielo del Pirineo aragonés. Consiste en la intersección de dos estructuras cuadradas iguales creando en su parte interior una nueva zona cuadrangular abierta con dimensiones más pequeñas. A priori parece un edificio cerrado al cual nos es imposible el acceso pero si te acercas podrás comprobar de que puedes caminar a través de sus caminos interiores.

“La obra que a la vez está y no está. Que no hay necesidad de rodear porque se puede entrar en ella. Que es de apariencia maciza y, no obstante, transparente. Que semeja un edificio pero que no lo es, que no es una escultura ampliada y que tampoco fluctúa entre ambos. Es totalmente lo que es y no plantea estas cuestiones. Pero quizá sí otras cuestiones. Respecto al espacio de cielo que se entrevé. Respecto a la perennidad de las paredes, la precariedad de las casas. Respecto a la sabiduría humana liberada de las cargas intelectuales.Respecto al hecho de jugar al escondite y de tener una pared contra la que se puede jugar al balón.”
Per Kirkeby. “Notas sobre las esculturas en ladrillo”, “Ladrillos”, “Manual” en Per Kirkeby. Huesca: Centro de Arte y Naturaleza. Fundación Beulas, 2009, p 175.

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Un juego de geometrías y de desfuncionalidad de la arquitectura hace que me pregunte sobre qué estamos haciendo con la naturaleza, estamos transformando el medio que nos rodea tanto que estamos perdiendo todo tipo de unificación, de identificación con nuestro entorno. Creemos que la vida es un juego en el que no existen reglas y sobre la que podemos actuar sin ningún tipo de sensibilidad. Estamos encarcelando al mundo estamos encarcelándolos a nosotros mismos, estamos jugando al juego de la destrucción masiva y debemos ir recuperando y reconstruyendo todos esos pedazos de historia que hemos abandonado a lo largo del camino. Los elementos con los que el artista trabaja pueden ser tanto materiales como inmateriales. Plan es una obra con una fuerte contundencia mediante el ladrillo como material seleccionado pero los que no se ven son los que realmente tienen un mayor peso, los sentimientos del artista.

Si os interesa navegar un poco más en el universo de Per Kirkeby:

http://arteynaturaleza.dehuesca.es/?page_id=704

Una huella sagrada en la naturaleza

Arte y naturaleza, dos conceptos sobre los que el ser humano ha puesto el punto de mira y ha convertido en objeto de reflexión desde sus orígenes hasta nuestros días. Tanto el estudio de las formas de expresión del pensamiento y de los sentimientos como los comportamientos de otras especies naturales nos ayudan a saber un poco más sobre el mundo y sobre nosotros mismos. Cuando se entremezclan ocurre algo tan interesante que es preciso pararse a reflexionar y a escribir sobre ello. Uno de los representantes del land art que ha dejado su huella en la localidad oscense de Belsué es Alberto Carneiro.

Alberto Carneiro

 
 
 
 
 
 
Alberto Carneiro nacido en Coronado, Portugal en 1937. Durante sus primeros años se forma en un taller de imaginería trabajando la talla en madera y en piedra, después estudia en la escuela de Bellas artes de Porto (1961-1967) y en Saint Martin´s school of art en Londres, (68-70). Se desarrolla como docente de escultura en La escuela superior de Bellas artes y en la de arquitectura de Oporto al mismo tiempo que se encarga de la orientación pedagógica y artística de la Universidad de Coimbra. En 1963 empezó su recorrido como artista exponiendo en lugares destacados y señalo algunos de ellos, por ejemplo: Museo Nacional de Soares dos Reis, (Oporto, 1976); Fundación Calouste Gulbenkian, (Lisboa, 1991); Centro gallego de arte contemporáneo (Santiago de Compostela, 2001). Creó el Museo internacional de escultura contemporánea en la ciudad de Santo Tirso, noroeste de Portugal. Algunas de sus instalaciones-escultóricas en en paisaje natural las podemos encontrar  en Portugal, Eslovenia, Inglaterra, Irlanda, Corea del sur, Ecuador, Taiwan, Andorra, España y Chile. Os voy a presentar una de las intervenciones que ha realizado en España y exactamente la que se encuentra en la localidad de Belsué, Huesca.
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 La obra titulada: “As arvores florescem em Huesca”, o “Los árboles flocecen en Huesca”, es una instalación escultórica que pertenece al proyecto de Arte y naturaleza promovido por la diputación de Huesca y el centro de arte y naturaleza que surge a raíz del mismo proyecto. Es una de las obras que configuran este itinerario intentando unir al ser humano con con el arte y el entorno natural. La inauguración de esta obra se produce el 30 de junio del ya lejano año 2006. Su localización exacta es Belsué o Santa María de Belsué, un territorio oscense que pertenece al municipio del Nueno, al norte de la comarca de la Hoya de Huesca. Alberto Carneiro elige este lugar tan impresionante porque está en el valle de Belsué, en las inmediaciones del Parque natural de la sierra y los cañones de Guara. Para llegar hasta él es un poco complejo: se debe tomar dirección a Arguis, tomar el desvío de la antigua carretera y antes de llegar al túnel de la Manzanera tomar dirección núcleos de Belsué y Nócito durante 5km. aprox. una vez se cruza el puente de la Chopera se puede ver la escultura de Carneiro.
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Las dimensiones totales de la pieza son de 500 x 700 x 700 cm.
Su realización técnica resulta de la utilización de materiales como la piedra de Ayerbe tallada con la que creará los cuatro muros independientes, en el interior se encuentra una pieza de cobre realizada por la técnica de fundición a molde por medio consistente en la representación de un árbol realizado a partir del vaciado de un molde del injerto de ramas en floración de tres árboles de su jardín en Coronado, Portugal. Y para terminar también es utilizada la piedra negra de Calatorao para las placas situadas en la mitad de los muros con inscripciones de las cuatro estaciones del año y para el elemento constructivo del interior. En el interior de esta representación con carácter evocador y ritual se encuentra el árbol de bronce.
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Es una especie de lugar sagrado en forma de mandala cuadrangular en el que reside en su interior con la forma de prisma triangular se alza un gran gnomon  o mehir contemporáneo  como lo denomina Carneiro. Si os adentráis en el universo de Alberto Carneiro y llegáis hasta aquí os tengo que decir que uno de los aspectos más emocionantes es que esta obra la vas descubriendo poco a poco, cada instante que transcurre te percatas de que tiene numerosas características por resolver, es similar a un rompecabezas en mitad de la majestuoso paraje natural del valle de Belsué. Escritos a modo de aforismos en la parte inferior e interior de la obra surgen para ser interpretados por el espectador. 
Un final un poco amargo.
En el verano del 2013 algunas personas sustrajeron el árbol de bronce que se encontraba en el interior de la obra. En el año 2014 mediante el gobierno de Aragón y el propio artista están pensando su reposición pero con un material menos costoso para evitar futuros daños. Al final Carneiro propone dibujar sobre piedra la memoria del árbol sustraído y colocarlo en el lugar donde estaba el de bronce, es una forma de no acarrear excesivos costes y de dignificarlo.
Para más información sobre la obra del proyecto “Arte y naturaleza”:
https://www.youtube.com/watch?v=y4J0dfSOh14
https://www.youtube.com/watch?v=ykHW2s0qZYI
http://arteynaturaleza.dehuesca.es/?page_id=1090

Señales de arte en la Maladeta

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Esta entrada se la dedico a otro de mis protagonistas seleccionados dentro del circuito artístico o mejor denominada colección itinerante de la fundación José Beulas del Centro de arte y naturaleza de Huesca, al gran Richard Long (Bristol, 1945). Para quienes no lo conozcáis, es un artista conocido a partir de los años sesenta que representa conceptos abstractos del pensamiento humano a través elementos geométricos y los integra en el paisaje hasta el punto de pasar casi desapercibidos.

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Richard Long (2012) at The Hepworth Wakefield (profile detail),Photo by Stephen Jackson

Nace en 1945 en la ciudad inglesa de Bristol. Inicia sus estudios en la West of England College of Art en dicho lugar y sigue su trayectoria artística en St. Martin´s school of Art de Londres. Actualmente vive y trabaja en su ciudad natal. Realiza esculturas dentro de la naturaleza, por ello, se considera escultor pero entra dentro de la especialidad del land art. Es fotógrafo de muchas de sus obras ya que en su inmensa mayoría son efímeras por lo que la fotografía se convierte en la pieza se perdura.

La pieza que os presento se llama “A circle in Huesca“, 1994, Maladeta, Huesca. Es una intervención en el medio natural mediante una representación de un elemento geométrico como es el círculo. Los materiales que protagonizan esta hazaña provienen de la propia naturaleza y son piedras, trozos de aquella montaña que se han venido abajo y despeñado a causa del paso del tiempo. Una vez más Richard Long nos sorprende y nos deja huella a través de su camino recorrido, en este caso, en los parajes naturales en la base del pico de la Maladeta en Huesca. Es una simbiosis entre el ser humano y la naturaleza, una vuelta a los orígenes, un anhelo incesante por ese reencuentro tan buscado por algunos.

“Podría decirse que mi trabajo consiste en un equilibrio entre las formas de la naturaleza y el formalismo de las ideas abstractas de lo humano, como líneas y círculos. Es donde mis características humanas se encuentran con las fuerzas naturales y con las formas del mundo, y este es realmente el tema de mi trabajo”

Entrevista de Richard Cork en Richard Long. Walking in Circles, Hayward Gallery. Londres: The South Bank Centre, 1991.

Indicaciones por si os apetece dar un paseo bastante largo pero muy interesante:

Desde el Hospital de Benasque, tomar la pista de Besurta. En verano el aparcamiento cierra. Seguir ascendiendo a pie un par horas, el círculo se sitúa a más de 2000 m. Ir equipados, bien abrigados y estar alerta para descubrir los posibles rastros de la obra si sobreviven algunos! Glaciares pirenaicos, merecerán la pena.

Espero que os haya gustado y os haya motivado para ir a visitar este lugar.

Hasta otra!

Siah Armajani

Sigo profundizando sobre el artista responsable de la maravillosa obra del valle de Pineta comentada en la anterior entrada de mi blog.

Siah Armajani ( Teherán, 1939), licenciado en estudios filosóficos en la Universidad de Teherán, después colaborará con Macalester College, Minesota. Una de las iniciativas que tiene este artista es la de romper con las barreras conceptuales entre arte-diseño-arquitectura-arte público, bueno, todas esas etiquetas que añadimos al elementos artístico como si tuviéramos la necesidad de encasillarlo de alguna manera, encerrarlo en sí mismo, para clasificarlo, para atraparlo y que nadie lo pueda volver a calificar ni revisar. El arte o lo artístico es un concepto amplio y tan cambiante con la sociedad en sí misma, por ello, veo que este artista intente reivindicar la libertad del arte, los encarcelamientos del arte a través de las clasificaciones. Tengo que nombraros unos escritos suyos muy interesantes que reflejan todo lo comentado: “Manifiesto. El arte público en el contexto de la democracia americana“, (1968-1978 y revisado en 1993), Siah Armajani. Es un escrito que se encuentra dentro del catálogo de la edición del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En esta publicación, María Dolores Jiménez Blanco, comisaria de la exposición en la que se encuentra “Mesa de Picnic” de la colección arte y naturaleza del Cdan, realiza comentarios sobre la obra de Siah que explican y reflejan su obra y su personalidad la perfección.

Siah Armajani

Se instala en EE.UU en la década de los años 60 y en este país se dedica a reflexionar, producir, al estudio y a la investigación sobre el concepto de arte público y sobre los límiten que se encuentra con los otros conceptos o materias como es la arquitectura, el diseño o el urbanismo. Su pasión por el arte le vino a manos de su padre que era un hombre de nagocio volcado en la literatura y porque desde muy pequeño recibió clases de dibujo. Sus diferentes obras se dejan influenciar por muy diversos perfiles como del arquitecto louis Khan, teorías políticas de Thomas Jefferson y Thomas Paine y de anarquistas como Sacco y Vanzetti; poetas como Walt Whiteman, filósofos como Theodor Adorno y Walter Benjamin y otros artistas como Pablo Picasso. Uno de sus últimos trabajos “Asesinato en Teherán” incluyue la obra titulada “Fallujah” en la que hace una gran referencia o reinterpretación del “Guernika de Picasso. Ésta tuvo una gran fuerte carga política con la que abrió una gran polémica, fue muy criticada y al mismo tiempo según el artista, una de las obras con las que más se ha sentido identificado y satisfecho con el trabajo realizado.